처음만나는 자유
작가 김도경이 본 이름 대신 예명을 썼으면 어떠했을까? 가짜 이름을 짓자면, 김연지. “김연지 오렌지 챌린지.” 라임이 입에 착착 붙지 않나. <오렌지 챌린지>는 이 압운처럼 곳곳에 명랑함이 있다. 작가는 오렌지로 엮은 본인의 작업을 일종의 도전이라고 풍유(諷諭) 한다. 그는 자신이 펼친 무저갱이라는 음울한 디스토피아에 스스로 맞서고 있다. 무저갱은 누가 하라고 시킨 것도 아니며 그저 본인이 창조한 세계인데, 작가는 그곳이 음침하고 우울하게 비칠까 봐 조바심낸다. 작가는 알록달록하고 빛나는 갖가지 것들을 가지고 그 세계와 대결을 벌인다. 레이먼드 윌리엄스 식으로 말하자면, 비극은 주인공이 세계에 이길 수 없음을 알면서도 투쟁을 벌이고, 끝내 파멸하는 형식이다. 김도경이 그리는 세상도 일반적인 비극의 세계관만큼 벅찬 건 사실인데, 작가는 굳이 비장한 태도로 거기에 맞서지 않는다. 작품 속에는 농담과 익살이 숨어있다.
연극이 다루는 비극과 희극의 상황은 무대에서 벌어진다. 서사시와 회화, 소설과 영화도 가상의 무대를 관념으로 내포하고 있다. 김도경이 생각하는 서사는 전통 예술의 무대보다 컴퓨터 게임에 가깝다. 게임 속 스테이지도 말 그대로 하나의 무대이다. 연극이 가상의 시공간을 재현하는 것처럼, 게임도 때와 장소의 한계를 얼마든지 뛰어넘을 수 있다. 화가는 이 게임의 판을 짜는 시나리오 작가이자 프로그램 개발자이며 디자이너다. 굳이 뜻을 맞춘다면 그렇다는 말이다. 이 발전 단계에서 크리틱을 시도하는 나는 알파 버전을 체험하는 플레이어의 입장이고, 일주일간의 릴레이 전에 초대된 관객들은 베타 버전을 시험하는 유저 그룹이다. 그의 작품은 이곳 창작 레지던시라는 실험장소를 거쳐 완전한 판본으로 더 넓은 세상으로 나갈 것이다.
오렌지 챌린지의 게임 오프닝은 전시 공간 입구에 설치된 좌대 위 오렌지를 통해 이게 다 아슬아슬한 농담임을 암시한다. 공간에 들어서 정면에 보이는 <기억의 궁전>이 본격적인 1단계이다. 이 그림 안에는 작가가 무저갱 연작으로 실현한 여러 조형 요소와 암호가 자리 잡고 있다. 화면에는 뜻 모를 문구가 낙서처럼 쓰여있는데, 알고 보니까 그것은 작가가 완성 과정에서 해야 할 작업지시문이다. 건축현장에서 볼 수 있는 글귀는 페인트칠과 도배로 덮이지만, 김도경의 궁전은 애당초 그걸 지울 마음이 없었나 보다. 이 장치는 모든 회화가 미완성의 상태라는 변증법적 모순을 선명하게 드러낸다. 이 모순은 완성되지 않았음이 부각될 수록 그의 작업이 완벽함으로 진전되는 되먹임(feedback) 현상이다.
작가가 유사(quasi) 온라인 공간을 창조하는 존재임을 가장 잘 보여주는 작품은 <오렌지 시티>다. 창조자 혹은 관찰자 입장에 선 작가는 작품 안에 도시 공간의 여러 시설과 장치를 마련해두지만 정작 그곳에는 사람들이 빠져있다. 주체가 결핍된 이 공간에는 대상만 있다. 또 다른 작품 <셋하면 뛰어>에는 소용돌이치는 구멍이 커다랗게 있고, 그것은 무저갱으로 휩쓸려 들어가는 상황이 묘사되었다. 그곳으로 빠져든 사람들은 다 어디로 갔을까? 난 그들이 언젠가 김도경의 그림에 모습을 드러낼 것으로 예상한다. 지금 작가는 자신만의 공간배치를 단계적으로 벌이고 있다. 여기엔 일종의 층이 생기는데, 그게 꼭 화면의 마티에르 같은 물질의 레이어만은 아니다. 그림 속 층간은 인식을 쌓아가는 맥락의 진보다. 그리고 발전이 항상 빈틈없이 들어맞는 건 아니다. 서로 충돌하고 꼬이고 혼란스러운 일련의 모습은 누구나 확인할 수 있다.
<첫번째 이사>, <오렌지를 알차게 쌓는 방법>, 그리고 <도전과제> 속에는 그 진전의 방향이 제시되어 있다. 내 생각에, 첫번째 이사의 본뜻은 처음 실천한 이행에 가깝다. 예컨대 그림에서 차곡차곡 쌓이고 제대로 칠해진 부분은 작가가 이미 이룬 것들을 의미하고, 채색이 안 된 부분은 앞으로 남은 숙제를 가리킨다. 이처럼 개인전 <오렌지 챌린지>를 통해서 작가는 최소한 현 단계에서 보여줄 수 있는 작업의 완결성을 보여주려고 애썼다. 모든 작품은 단지 일정한 기법으로 반복되어 등장하는 시각적 효과에 머물려고 하지 않는다. 그것들은 깨알 같은 요소들이 교차해서 등장하고 숨는 와중에 하나의 세계관으로 묶인다(tie-in). 그것을 찾는 게 그림을 감상하는 재미다. 한 가지만 소개하자면, 각 작품 안에 놓인 숫자 팻말이 있다. 아라비아 숫자 5는 오렌지의 첫 글자 O와 동음이어서 그려 넣은 것이라고 한다. 다른 숫자 표식들도 제각각의 뜬금없는 이유가 있었다. 이건 알면 알수록 흔한 그림들이 아니다.
(윤규홍, 오픈스페이스 배 아트디렉터 / 예술사회학)
If the artist Kim Do Gyeong had used a pseudonym instead of his real name, what about the stage name Kim Yeonji? "The Kim Yeonji Orange Challenge" sounds catchy, doesn't it?
"Orange Challenge" has a cheerful vibe scattered throughout like this cloudy weather.
The artist humorously describes his orange-themed work as a kind of challenge or satire. He is confronting the gloomy dystopia he created with his own hands, a dystopia that no one asked him to create. He feels anxious about the possibility that this world, which he created for himself, might reflect darkness and depression. The artist engages in a confrontation with this world using various colorful and shiny elements. In the style of Raymond Williams, tragedy is a form where the protagonist struggles, knowing they cannot conquer the world, and ultimately meets destruction. Although the world depicted by Kim Do gyeong is as rich as the worldview of a typical tragedy, the artist does not confront it with a defiant attitude. Jokes and playfulness are hidden within the artwork.
The situations of tragedy and comedy, which theater deals with, unfold on the stage. Narrative poetry, paintings, novels, and movies also inherently embody an imaginary stage. Kim Do gyeong's concept of narrative is closer to a computer game than the traditional stage of fine arts. Just like stages in a game, they are literally a stage. The artist, who stands in the position of a creator or observer, provides various facilities and devices of urban space within the artwork <Orange City>, but interestingly, there are no people there. In this space where the subject is lacking, only objects exist. In another artwork, <Three Jumps If You Count Three>, there is a large swirling hole, depicting a situation where people are swept away by the whirlpool of dystopia. Where did those who fell into it go? I expect them to reveal themselves in Kim Do gyeong's paintings someday. Right now, the artist is gradually arranging his own spatial layout. This involves the creation of a kind of floor, and it is not just a material layer like the texture of the screen. The interlayer in the picture progresses in the context of accumulating perception. However, progress is not always seamlessly integrated. The series of conflicting, entangled, and confusing scenes is visible to everyone.
The game opening of <Orange Challenge> implies that this is all a precarious joke through the oranges placed on the chair at the entrance of the exhibition space. Entering the space, <Palace of memory> seen in front is the actual first level. In this painting, various sculptural elements and codes realized by the artist through the ongoing series of No-Exits are established. There is a scribbled phrase on the screen, seemingly meaningless, but upon closer inspection, it turns out to be the artist's task instructions for the completion process. Although phrases seen at construction sites are covered with paint and wallpaper, it seems that Kim Do gyeong's castle never intended to erase them in the first place. This device vividly reveals the dialectical contradiction that every painting is in an unfinished state. This contradiction is a feedback phenomenon in which progress in his work is perceived as perfection as the fact of incompleteness is emphasized.
The artwork that best demonstrates the artist's role in creating a quasi-online space is <Orange City>. In the role of a creator or observer, the artist sets up various facilities and devices of urban space within the artwork, but interestingly, there are no people there. The space lacks subjects, and only objects exist. In another work, <Let's jump when I count 3!>, there is a large swirling hole, depicting a situation where people are swept away by the whirlpool of dystopia. Where did those who fell into it go? I expect them to reveal themselves in Kim Do gyeong's paintings someday. Right now, the artist is gradually arranging his own spatial layout. This involves the creation of a kind of floor, and it is not just a material layer like the texture of the screen. The interlayer in the picture progresses in the context of accumulating perception. However, progress is not always seamlessly integrated. The series of conflicting, entangled, and confusing scenes is visible to everyone.
<First Move>, <The best method of how to stack oranges>, and <Challenge> indicate the direction of progress. In my opinion, the true meaning of the first move is close to the execution of the initial practice. For example, the neatly stacked and painted parts in the picture represent what the artist has already achieved, and the unpainted parts indicate the remaining homework. Through the solo exhibition <Orange Challenge>, the artist made an effort to show the completeness of the work that can be presented at the current stage. All works do not merely linger in visual effects repeated with a certain technique. These elements appear and hide like tiny fragments, eventually being tied into a single worldview. Finding that is the fun of appreciating the paintings. To introduce just one thing, there is a number sign placed within each artwork. The Arabic numeral 5 is drawn because it sounds like the first letter 'O' of orange. Other numeric symbols also had their own inexplicable reasons. The more you know, the more you realize that these are not ordinary pictures.
(Gyu-hong Yoon, Open Space Bae Art Director / Art Sociology)